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Dernièrement dans la section Films d'if is Dead:

Rab Ne Bana Di Jodi de Aditya Chopra

dabYo dans Critiques, Films le 4 août 2015, avec aucun commentaire
Critiques

Depuis quelques mois nous regardons de temps en temps des films indiens, les réputés films de Bollywood où il est bien difficile de tomber sur un autre acteur que Shahrukh Khan. Rab Ne Bana Di Jodi de Aditya Chopra (à vos souhaits pour le titre) ne fait pas exception à la règle et c’est encore une comédie romantique avec le célèbre acteur indien. Synopsis.

Rab Ne Bana Di Jodi

Sahni Surinder est un nerd à chemise blanche trop longue et lunettes, employé de bureau de la compagnie d’électricité du Punjab. Bref, un indien banal qui n’a rien d’un héros et qui ne risque pas de faire rêver les jeunes filles. Brillant élève son ancien professeur l’invite au mariage de sa fille Taani, une beauté à la joie de vivre sans pareil qui va épouser celui qu’elle aime. Mais, ça, c’était sans compter les scénaristes puisque son promis meurt dans un accident de bus en se rendant au mariage. Son père fait une crise cardiaque en l’apprenant et, agonisant sur son lit d’hôpital, lui fait promettre d’épouser Sahni même si elle ne l’avait jamais vu de sa vie, sans quoi il ne pourra pas trouver la paix au paradis. Évidemment, elle aurait pu refuser, mais non, la voilà donc contrainte d’aller s’installer chez Sahni. Heureusement, ce dernier est tombé sous son charme au premier regard !

Les vingt premières minutes du film sont donc un mélange de péripéties toutes plus what the fuck les unes que les autres qui permettent aux scénaristes d’arriver dans cette situation complètement inconcevable en occident d’un mariage consenti entre deux complets inconnus. Évidemment, ils pourraient se séparer, s’ignorer, mais non, sinon ça ne serait pas rigolo. Pour regarder Rab Ne Bana Di Jodi on est obligé d’oublier la grande différence dans les valeurs morales d’égalité et de liberté de choix que nous avons ici pour considérer qu’il s’agit d’une autre culture. Bien que ce soit ici très difficile tant le message véhiculé par le film m’a semblé dur et extrême. Mais faisons abstraction au moins le temps de quelques paragraphes.

Rab Ne Bana Di Jodi

Pour conquérir le cœur de Taani, qui rappelons le vient d’être mariée « de force » à un inconnu après avoir perdu son être aimé, Sahni va faire ce qui lui semblait impossible, sortir de son rôle de mari coincé qui ne sait pas s’exprimer pour devenir un beau gosse macho. Mais pas en tant que Sahni non, car il veut que sa dulcinée l’aime pour ce qu’il est vraiment. Il va donc se faire passer pour Raj le jour, essayant de séduire sa propre femme, tout en redevenant Sahni-qui-rentre-du-boulot le soir. Un dédoublement de personnalité qui va finir tragiquement, vous vous en doutez.

Rab Ne Bana Di JodiLe film est globalement très triste et très émouvant. Bon, il faut faire abstraction de très nombreux éléments, mais on peut quand même reconnaître aux deux acteurs principaux, Shahrukh Khan et Anushka Sharma d’arriver à très bien jouer la tragédie. Tous les deux bloqués dans des positions où ils ne peuvent trouver l’amour, on ne peut qu’être touché par leur jeu et la façon d’exprimer leurs sentiments. Cet aspect est très bien mis en évidence par la façon de filmer, un peu plus contemplative que d’autres films du genre. Mais aussi avec des couleurs vives et des moments assez grandioses côté lumière et paysages.

Rythmé par des musiques comme tous les films du genre, les chorégraphies sont relativement peu marquantes bien que réussies. Les musiques sont plutôt très modernes et viennent mettre de nombreux éléments occidentaux dans des mélodies très orientales. Ça ne reste cependant pas tellement dans la tête, moins que le morceau titre de Happy New Year par exemple.

Rab Ne Bana Di Jodi

Malgré son scénario complètement pété et une très grande différence dans les valeurs morales et de société, Rab Ne Bana Di Jodi s’avère être un film qui a une forte personnalité et qui prend aux tripes. Le film mêle vraiment très bien comédie et tragédie, il est juste dommage que cette situation de départ complètement improbable en fasse quelque chose que l’on ne gardera pas franchement en mémoire.


Food Wars! de Yoshitomo Yonetani

Shokugeki no Sôma débarque en anime

dabYo dans Animes, Films le 16 juin 2015, avec 1 commentaire

Food Wars! est un anime en cours de diffusion au Japon et en simulcast en France sur la plateforme Anime Digital Network. Actuellement nous en sommes au dixième épisode diffusé, il s’agit de l’adaptation du Shônen Shokugeki no Sôma dessiné par Shun Saeki et scénarisé par Yuto Tsukuda, disponible en France sous le même nom que l’anime. Vous vous en doutez, ça cause de nourriture. Synopsis.

Food Wars! Anime (Shokugeki no Soma) de Yoshitomo Yonetani

Sôma Yukihira est un adolescent qui cuisine depuis qu’il est enfant dans le restaurant familial de son père Jôichirô. Tous deux font vivre le restaurant et tout leur possible pour satisfaire les papilles de leurs clients au quotidien. Un jour, son père décide de partir en voyage pour faire le tour des cuisines de cinq continents, et plutôt que de s’embarrasser de son fils dans ses bagages, il l’envoie dans un collège ultra côté et très select pour qu’il puisse y faire ses galons. Un collège de cuisine, évidemment…

Parmi les mangas aux thématiques improbables, il m’arrive souvent de citer Hikaru no Go comme référence. Mais Food Wars! n’a franchement aucun rapport avec le sérieux et la façon de traiter son sujet. En effet, ici adieu réalisme et bonjour l’exagération pour en faire une sorte de Top Chef Japonais en manga. La cuisine, les actes banals comme couper des légumes, sont en effets scénarisés et mis en scène pour paraître exceptionnels et complètement badass. Et tout ce qui va se passer dans notre histoire, qui est franchement commun et habituel, va se retrouver complètement exagéré pour cadrer avec l’aspect Shônen de Shokugeki no Sôma.

Food Wars! Anime (Shokugeki no Soma) de Yoshitomo Yonetani

Car finalement, le premier trait de cet anime n’est pas tant la cuisine que d’être un Shônen dans la plus pure tradition du genre. On a d’abord un héros solitaire qui débarque quelque part, dans une sorte de quête initiatique et qui va devoir s’y faire des amis. Une organisation dans l’école est mise en place et permet d’avoir des adversaires, des combats -qui sont ici culinaires certes- et des techniques. Tout le talent de Food Wars! réside donc dans sa capacité à trouver comment adapter les clichés du genre au monde de la cuisine. Une sorte de Naruto du genre !

Et là dessus, c’est réussi mais aussi malheureusement très classique et cliché. Si j’ai pris l’exemple de Naruto, c’est bien parce qu’on a complètement l’impression d’être sur la trame de ce manga là. Alors certes l’originalité des Shônens côté scénario est rarement de mise, mais ici on atteint des sommets dans le conformisme. On a le droit aux duels, aux épreuves types Forêt de la Mort, bref, la totale. C’est pas franchement folichon et un peu exaspérant à regarder sur ce côté là.

Food Wars! Anime (Shokugeki no Soma) de Yoshitomo Yonetani

A cet aspect Shônen se rajoute de l’Ecchi en veux tu en voilà. Les personnages féminins sont très sexualisés, de grosses poitrines évidemment. Mais pas seulement, car les dégustations de plats -on est dans un anime sur la cuisine je vous rappelle!- sont régulièrement l’occasion d’illustrer des orgasmes. On a alors droit à de longues scènes où les personnages féminins et aussi masculins sont victimes de leurs sens et laissent exprimer leurs plaisirs dans ce que le Japon sait faire de mieux côté anime. On roule des yeux au début, on facepalme total au fil du temps. Mais bon, cela semble quelque peu s’arrêter par la suite.

En dehors de cet aspect, l’animation est tout simplement excellente et on sent un énorme budget derrière cette série qui a tout du blockbuster. C’est très bien dessiné, les personnages sont bien différenciables et possèdent leurs propres traits. De même, le mélange des éléments habituels des Shônens (ninja, épées, combats…) sont très bien mixés avec ceux de la cuisine. On adorera les effets de coupe de légumes qui donnent l’impression de voir des ninjas s’exercer.

Food Wars! Anime (Shokugeki no Soma) de Yoshitomo Yonetani

Au bout de dix épisodes, je suis assez partagé sur Food Wars!. L’anime a du budget, cela se ressent dans l’animation et le dessin qui sont tout simplement exceptionnels. On pourra passer sur le côté Ecchi qui est parfois d’un extrême mauvais goût, mais on aura plus de mal à ne pas s’exaspérer devant la prévisibilité du scénario qui pompe tous les stéréotypes des Shônens sans franchement apporter sa pierre, en dehors de l’univers de la cuisine. M’enfin, c’est cheesy et je continuerai quand même un peu avant d’arrêter.


Le monde de l’animation japonaise a des perles et il est toujours très agréable de tomber dessus. On pourrait évidemment citer Shirokuma Café, l’anime qui met en scène un Panda travaillant à temps partiel au zoo en tant que Panda, mais c’est la première saison de Nodame Cantabile dont je vais vous parler ici. Il s’agit comme bien souvent de l’adaptation d’un manga, un Josei de Tomoko Ninomiya centré autour de la musique classique. Après tout, on a pu se mettre à apprécier le Go avec Hikaru no Go, alors pourquoi pas la musique classique et le piano, hein ? Synopsis.

Nodame Cantabile de Kenichi Kasai

Shin’ichi Chiaki est la star de son école de musique japonais où il est considéré de tous comme un prodige du piano. Mais la réalité est tout autre car son rêve n’est pas celui de devenir pianiste professionnel, mais d’être un chef d’orchestre comme son idole et ancien maître Sebastiano Viera. Il a en effet rencontré l’européen alors qu’il était tout jeune et souhaite plus que tout le rejoindre après sa graduation pour parfaire son apprentissage. Sauf que voilà, il a une phobie de l’avion et du bateau. Difficile de quitter l’archipel dans ces conditions. Désespéré de ne pouvoir sortir du Japon, il fini par rencontrer une élève complètement instable qui vit parmi les détritus juste à côté de son appartement, Noda Megumi

Bon, on est dans un Josei et ce n’est donc pas qu’autour de la musique que notre anime va se concentrer, mais aussi autour d’une relation amoureuse, forcément. Vous l’aurez compris, le scénario est articulé autour du futur de nos personnages, de la phobie de Chiaki et de la relation qui va se construire peu à peu avec Noda Megumi dite Nodame. Le tout sur fond de musique classique, de concerts, d’apprentissage tumultueux et surtout d’une grande culture musicale. Mais commençons d’abord par présenter les deux personnages pivots de notre histoire.

Chiaki est ce qu’on pourrait dire assez classique, très stable et a tout ce qu’on peut imaginer d’un talentueux musicien. Il sait ce qu’il veut, est doué dans ce qu’il fait, reste rationnel à tout moment et plus que tout, est prompt à accompagner les autres et à leur servir de reposoir. C’est sans doute les qualités attendues d’un chef d’orchestre, enfin, je suppose. On pourrait l’imaginer comme un Mary Sue mais ce n’est pas vraiment l’effet qui en ressort au fil des épisodes. Évidemment, Nodame est l’exacte opposée. Elle vit la musique et ne la joue que par passion et en suivant son instinct là où Chiaki a une méthode complètement rationnelle. Elle vit dans des conditions sanitaires des plus dangereuses et est complètement instable sentimentalement parlant. Elle est donc carrément weird.

Nodame Cantabile de Kenichi Kasai

Et c’est évidemment sur ces aspects là que la trame va s’axer. Alors il y a une histoire de fond évidemment, celle de l’apprentissage des différents étudiants, les héros ainsi que leurs amis. Mais aussi des dizaines et des dizaines de gags créés à partir des différences de mentalités et qui s’avèrent être très drôles. Nodame est complètement géniale, très drôle, elle donne du piment à l’histoire et permet de rythmer les épisodes. Cela est suffisamment bien dosé pour nous faire passer du rire aux larmes très rapidement. On ne se lasse pas de sa bonne humeur et c’est là dessus un côté très positif pour l’anime. Il va être contre balancer par des problèmes

A côté de ce duo de choc, bien que Chiaki soit relativement effacé et serve ici plus de faire valoir, on retrouve d’autres personnages très colorés. En effet, orchestre oblige, chaque instrument est plus ou moins représenté avec notamment un joueur de tambour aux allures de fangirl, ou encore un violoniste fan de Rock. Le côté musical et la culture qui va avec n’est pas en reste non plus. Évidemment, je ne suis pas un expert et la musique classique ne me passionne pas particulièrement, mais on y découvre un éventail de compositeurs intéressant et qui sans pousser à la passion permet d’appréhender un peu mieux ce monde. Des longs passages orchestraux jalonnent les épisodes au long de l’évolution des personnages dans leur parcours scolaire, ces derniers ayant évidemment des épreuves.

Bien que relativement récent, l’anime étant sorti en 2005, il faut avouer qu’en terme de réalisation et d’animation, on est complètement à la rue. Le dessin est très simple pour ne pas dire simpliste, le chara design des personnages est sans réel intérêt mais cela vient sans doute du manga qui est lui aussi très moyen de ce côté. Il n’y a pas de personnage particulièrement charismatique de ce côté là. De même, l’animation est vraiment moyenne et on a l’impression d’être face à quelque chose sans aucun budget. On ne parlera même pas des séquences de musique où on frôle parfois le néant total: des images fixes avec de la musique…

Nodame Cantabile de Kenichi Kasai

Cette première saison de 23 épisodes passe vraiment très vite pour le peu qu’on s’accroche au personnage de Nodame qui porte tout de même une grande partie de l’intérêt sur ses épaules. Cela dit, le format ne permet pas encore de bien comprendre pourquoi l’anime est classé en Josei et non Shojo, car les éléments plus adultes n’ont pas encore eu complètement le temps d’apparaître. Avec son univers assez original et ses personnages hauts en couleur, Nodame Cantabile est un divertissement rafraichissant que je conseille vivement !


Il y a des trucs vraiment bizarres au Japon, et on peut dire que le drama Nihonjin no Shiranai Nihongo de Yasuhiro Taketsuna fait partie de ces bizarreries. Littéralement Les Japonais ne connaissent pas le Japonais, il s’agit d’une mini-série en 12 épisodes sortie en 2010 qui nous raconte le quotidien d’une classe d’élèves apprenant le japonais. Mais pas n’importe quels élèves, non, des Gaijins. Synopsis !

Nihonjin no Shiranai Nihongo de Yasuhiro Taketsuna

Haruko Kano rêve de devenir professeur de japonais dans un lycée huppé, mais en attendant de trouver une place, elle travaille comme vendeuse de prêt-à-porter pour jeunes filles dans le quartier de Shibuya. Jusqu’à ce qu’une de ses anciennes professeurs l’appelle pour faire un remplacement dans une école. C’est trop tard qu’elle va s’apercevoir qu’elle ne va pas apprendre le japonais à des lycéens, mais à des étrangers qui souhaitent tous réaliser leur rêve et s’installer définitivement sur l’archipel.

Le Japon est un pays relativement raciste et dont la population aime moyen moyen les étrangers, qu’ils qualifient de Gaijins. Ce terme, quiconque trempant un peu dans la japanimation l’a déjà entendu être utilisé. On imagine pas toujours qu’il s’agit d’un terme utilisé de manière relativement péjorative. Les japonais ne comprennent pas les étrangers, les trouvent trop bruyants, mal élevés, feignants car ils ne savent pas parler leur langue, etc. Et c’est l’axe que va utiliser les scénaristes de Nihonjin no Shiranai Nihongo pour faire en quelque sorte une auto critique du peuple japonais vis à vis de leur propre culture, en inversant tout simplement le paradigme: le Japon est il si logique que cela ? Les japonais font ils eux même les efforts qu’ils exigent des étrangers ?

Nihonjin no Shiranai Nihongo de Yasuhiro Taketsuna

Si vous connaissez quelqu’un qui a tenté d’apprendre le japonais, vous connaissez des morceaux de réponses. Il y a les trois syllabaires différents tout d’abord, puis les Kanjis qui ont un sens différent chez les japonais et les chinois ensuite. Des mots qui ont la même prononciation mais des sens complètement différents, d’autres qui changent complètement de signification suivant le contexte, et évidemment, le top du top, la façon de compter qui change en fonction de ce que l’on compte.

Les épisodes sont donc centrés sur un point de la langue japonais et/ou culture japonaise qui peut être source de confusion et de malentendus pour les étrangers. Il y a neuf élèves dans la classe et l’un d’eux est le centre de l’épisode et va servir de fil conducteur. On a par exemple celui qui rêve d’ouvrir son restaurant de ramens et qui a du mal à connaître le nom de tous les ustensiles, le business-man qui souhaite maîtriser le langage poli que même les japonais ne maîtrisent pas, ou encore la fane de mangas qui veut rencontrer des ninjas.

Nihonjin no Shiranai Nihongo de Yasuhiro Taketsuna

C’est haut en couleurs, c’est très drôle, et c’est génial pour en apprendre plus sur la culture japonaise. Les personnages sont tous too much et les scénarios sont complètement décalés. Cela surf évidement sur l’humour tout au long des épisodes, à l’aide de quiproquos, de personnages aux passions complètement loufoques mais si proches des « fans du Japon » comme on peut en connaître. L’aspect second degré est à la fois présent côté des japonais mais aussi des étrangers. Les enseignants de l’école pour étrangers sont eux aussi complètement barrés, le sous-directeur étant tout bonnement génial.

On pourra certes émettre quelques réserves sur certains aspects qui laissent perplexes dans la façon de traiter les étrangers. Ces derniers restent tout de même assez rabaissés par rapport aux japonais, mais c’est difficile de dire si cela est volontaire ou juste une impression diffuse.

Nihonjin no Shiranai Nihongo de Yasuhiro Taketsuna

Dans tous les cas, si vous aimez le Japon et en appréciez la culture, je ne peux que vous conseiller de regarder Nihonjin no Shiranai Nihongo. Vous apprendrez plein de détails qu’il est finalement assez difficile de découvrir sans le savoir et sans en apprendre la langue. Des éléments qui rappellent que le monde est peut être connecté, il reste de très nombreuses différences parmi les coutumes.


Kurt Cobain: Montage of Heck de Brett Morgen

Serafina dans Critiques, Films le 6 mai 2015, avec 2 commentaires
Critiques

En ce 4 Mai un certain nombre de cinémas proposaient une projection unique de Kurt Cobain : Montage of Heck de Brett Morgen, un documentaire intimiste sur Kurt Cobain, et diffusé le soir même aux États-Unis sur HBO. Je vous ai chroniqué les journaux du chanteur de Nirvana, je vous ai chroniqué la biographie Heavier than Heaven, vous comprendrez donc que moi j’aime beaucoup Nirvana et que Kurt fait partie de ces icônes qui me fascinent. En bien, comme en mal, puisque depuis que j’ai lu ces deux romans je sais que ce n’était pas toujours joli dans sa tête.

Cobain Montage of Heck de Brett Morgen

Toujours est-il que je devais aller voir ce documentaire au cinéma. D’une durée de 2h20, Brett Morgen y traite du Kurt « intime », pas la rockstar mais le mec derrière, avec une progression chronologique. Pour la réalisation de ce film, il a eu accès à tous les carnets du musicien – qui écrivait et dessinait énormément – ainsi qu’aux archives familiales. C’est du coup un documentaire « autorisé », et sa fille Frances Cobain en étant la productrice exécutive.  En voyant ça, j’avais un peu peur de voir un documentaire tourné de manière très subjective, mais pourtant, ce n’est pas tant le cas. Il n’encense pas ni ne bashe gratuitement. On a un documentaire assez équilibré qui ne m’a pas semblé être de la propagande. Ayant déjà pas mal lu sur le sujet, je n’ai pas découvert grand chose et forcément un documentaire filmé sera toujours moins complet qu’un bouquin de 500 pages comme Heavier than Heaven.

J’ai vu un certain nombre de documentaires sur Kurt Cobain, mais ici, on est face à un documentaire vraiment unique. Le plus gros de la matière n’est pas dans les interviews pour le coup, seules 5 personnes sont interviewées de toute manière, mais bien dans le matériel. Ce sont les productions de l’artiste qui sont au centre de ce documentaire. Les journaux sont animés, les dessins aussi et des pans entiers racontés sur les journaux sont retranscrits en dessin animé. C’est du coup un documentaire passionnant pour le contenu mais aussi et surtout pour la manière de les présenter. Difficile à vous le décrire mais pour le coup je ne peux que vous conseiller de le regarder. Évidemment, c’est à double tranchant car en prenant comme cela les journaux en pleine face, certains passages sont plus glauques que juste imprimés dans un bouquin. Car oui, c’est un documentaire qui n’est pas tout rose et pas parce qu’il meurt à la fin, puisque le choix est fait de ne pas traiter son suicide, le documentaire s’arrêtant au Unplugged de MTV quelques semaines avant.

Kurt Cobain: Montage of Heck de Brett Morgen

Non, c’est sombre car on entre dans la tête torturée d’un mec qui n’était clairement pas bien et qui est allé dans une spirale infernale. Certains des passages les plus sombres -à savoir quand il était au sommet de la gloire- sont assez dérangeants à regarder… Difficile aussi de pas avoir un pincement au cœur quand on voit le jeune homme totalement stone jouant avec sa fille mais sans avoir l’air d’être là. Un certain nombre de films privés ont été fournis au réalisateur par Courtney Love, on y découvre donc une Courney loin de la harpie qui a pu être décrite.

Cependant, c’est assez paradoxal, d’entrer à ce point dans la vie du rocker, lui qui ne voulait surtout pas être exposé médiatiquement. Nous sommes sur le même genre de sentiment qui m’avait un peu gêné en lisait la collection de ses journaux… Faire un documentaire sur une icône culturelle permet-il à ce point de rentrer dans sa vie privée ? Est-ce vraiment bien d’exposer ces journaux à un si grand public ? Chacun fera sa propre opinion sur ce point. Mais il n’empêche que c’est vraiment un documentaire d’une qualité rare, qui mélange animation, archives, interviews et que je ne peux que vous le recommander.

Kurt Cobain: Montage of Heck de Brett Morgen

Évidemment si vous avez maté le documentaire et que maintenant vous voulez en savoir plus, je vous recommande Heaver Than Heaven de Neil Gross, traduit en français aux éditions Camion Blanc.


Happy New Year de Farah Khan

Serafina dans Critiques, Films le 17 avril 2015, avec aucun commentaire
Critiques

Nous inaugurons aujourd’hui la rubrique de chroniques de films Bollywood. ifisDead a toujours été multi-thématique, mais je ne suis pas sure que vous vous attendiez à celle là. Pourtant, oubliez tous vos aprioris, car Happy New Year de Farah Khan est un vrai coup de cœur. Synopsis ?

Happy New Year de Farah Khan

Charlie souhaite venger son père injustement accusé de vol dans un coffre fort qu’il avait lui même construit. Et pour cela, quoi de mieux que de voler Charan Grover, celui qui à causé la chute paternelle et changé sa vie à jamais, en dérobant les diamants bruts que son père avait soit disant volé des années plus tôt. Afin de casser la salle des coffres, Charlie monte une équipe très spéciale qui a pour but de s’infiltrer dans un concours international de danse à Dubaï.

Happy New Year de Farah KhanVous dites que vous ne voyez pas de rapport ? Ce n’est pas grave, ici c’est Bollywood ! La démesure est la règle, les coïncidences n’en sont jamais vraiment, et même si c’est cousu de fil blanc, c’est pas le plus important. On ne regarde pas ce film pour la subtilité. On regarde ce film pour le reste. A la base, mon seul argument pour nous faire regarder ce film était le morceau Manwha Laage dont j’avais appris la chorégraphie lors d’un stage de danse. Je n’en avais jamais entendu parler avant.

En réalité, le film a été un sacré succès en Inde, il a une distribution plutôt pas mal et Farah Khan en directrice/chorégraphe déjà reconnue pour d’autres films. Évidemment, c’est Shahrukh Khan la superstar du cinéma indien que l’on retrouve pour incarner Charlie. Le film est vraiment très beau, si vous avez des idées négatives sur les films indiens, jetez un œil au trailer : les couleurs sont belles, les reliefs sont intéressant, ça abuse du grand angle et des nouvelles technologies de traitement de l’image, mais visuellement c’est magnifique. Vraiment.

Le film comporte bien sûr son nombre de chorégraphies, oui c’est un film Bollywood, donc il y a des chansons, mais il ne faut pas que cela vous repousse car ici, elles ont une raison d’être (puisque c’est un concours de danse) et surtout elles sont très drôles. Ce ne sont pas des chansons nian nian d’amour, mais de joyeux délires. India Waale, le morceau titre, a réussi à me rester dans la tête pendant un bon moment. C’est de la pop très occidentalisée comme vous le verrez dans la vidéo et qui n’a rien à envier à ce qu’on entend sur nos radios.

Happy New Year de Farah KhanSi le sujet de l’histoire est tragique et qu’il contient les moments de pathos habituels des films indiens, Happy New Year reste avant tout une comédie, qui abuse de situations Too Much, mais totalement assumées. La dream-team de Charlie est composée d’un mec dont la spécialité est de vomir, un ado hacker, un épileptique dont les crises font 30 secondes top chrono et un poseur de bombe à moitié sourd. Ça ne se prend absolument pas au sérieux, se moquant autant des films Bollywood que des films européens. Cela semble être une signature de Farah Khan, mais le film est aussi truffé de pas mal de références pop, à la manière d’un Tarantino.

C’est de la comédie qui ne fait pas dans la dentelle, mais qui ne se prend absolument pas au sérieux et qui du coup nous a fait beaucoup rire. Les personnages sont tellement caricaturaux que c’en est caricatural, et le film est parfois tellement fan-service que c’en est hilarant. Oui, en Inde, les combats de boue pour mettre les muscles du héros en valeur, c’est normal. Évidemment, les personnages sont clichés et l’histoire d’amour obligatoire du genre n’est clairement pas le point fort du film.

Happy New Year de Farah Khan

Je sais, ce sera difficile de vous convaincre si vous grimacez rien qu’à la lecture du mot « Bollywood ». Mais détrompez vous, et faites moi confiance. Regardez au moins 20 minutes de Happy New Year de Farah Khan, je suis certaine que vous ne l’arrêterez pas avant la fin ! Même dabYo l’a aimé, et pourtant, lui non plus n’est pas un fan à la base.


Quand Serafina m’a proposé de regarder une série adaptant un roman d’Emile Zola, je ne peux pas vraiment dire que j’étais emballé. L’auteur français me rappelle plutôt les bancs de l’école, les cours de français longs et ennuyeux, les lectures de romans soporifiques. On a cependant décidé de laisser une chance à cette adaptation d’Au Bonheur des Dames dans une Angleterre victorienne dépeinte par Bill Gallagher et la BBC. Synopsis.

The Paradise Saison 1

Pour gagner sa vie la jeune campagnarde fraichement débarquée en ville qu’est Denise Lovett postule dans le plus grand magasin de la région, The Paradise. Dirigé par John Moray, c’est le paradis pour les femmes aisées qui souhaitent acheter des robes, de la soie, et d’autres objets de grandes valeurs et raffinés. Mais ce magasin n’est pas vraiment du goût des commerçants du quartier, qui favorisent tradition et savoir faire, mais se font voler toute leur clientèle par le Paradise. Manque de pot, Denise y travaille mais est aussi la nièce d’un de ces artisans…

Nous allons donc suivre la vie d’un nouveau type de magasin à l’époque d’une Angleterre victorienne qui est en pleine révolution industrielle. Avec d’énormes rayons, des dizaines d’employés, il s’agit d’une sorte de grande famille où nous suivons vendeuses, patron, chef des employés et certains personnes qui leur sont liés dans le quartier. Bref, une sorte de suivi au jour le jour de cette petite révolution dans le commerce qui est sur le point de mettre sur la paille la plupart des artisans traditionnels de la ville.

The Paradise Saison 1

Denise et Mister Moray seront nos deux héros. La première jouée par Joanna Vanderham est une jeune vendeuse fraichement embauchée qui déborde d’idées sur le commerce, comment améliorer les ventes, faire plaisir au client, etc. En bas de l’échelle hiérarchique, on va pouvoir grâce à son point de vue vivre les restrictions que va lui imposer une vieille acariâtre craignant pour son pouvoir. Vous vous en doutez, plus les épisodes passent et plus cette vieille femme va s’ouvrir et voir son personnage approfondi.

De l’autre côté, Mister Moray est joué par Emun Elliott et est vraiment très charismatique. Commerçant visionnaire, un peu fou pour son époque, opportuniste, il a tout pour plaire et peu de défauts. Il donne très clairement un côté positif aux commerçant et capitalistes de cette époque, avec une vision du marché mais aussi un aspect paternaliste pour les personnages qui travaillent avec lui. Sans doute une version édulcorée et rêvée de ce genre de personnage, mais ça colle avec The Paradise: une sorte de version compte de fée de ces premiers grands magasins.

The Paradise Saison 1

Chaque épisode quasiment a sa petite intrigue d’épisode, mais l’ensemble de la saison suit une trame narrative bien définie passé les premiers épisodes. On se prend donc très vite au jeu et on apprécie suivre le train train quotidien du magasin The Paradise qui n’est jamais de tout repos. Les personnages secondaires notamment ne sont pas en reste et sont assez intéressants. Évidemment, la base de Zola étant déjà énorme, il n’y avait plus qu’à piocher.

Au final, la première saison de The Paradise vu une très bonne surprise. Bien réalisée, avec des costumes d’époque de très bonne qualité et des personnages attachants, on devient très vite accro. Malgré l’apparence limitée d’un magasin, les épisodes arrivent à se renouveler et on arrive à la fin de la première saison bien plus vite que prévu. Quel dommage que la troisième saison ait été annulée…


Imitation Game de Morten Tyldum

dabYo dans Critiques, Films le 20 février 2015, avec aucun commentaire
Critiques

Alors que le projecteur médiatique est braqué sur Cinquante nuances de Grey, c’est un autre film qui a eu toute notre attention en ce mois de février 2015: Imitation Game de Morten Tyldum. Il s’agit d’un Biopic sur Alan Turing, émérite mathématicien et cryptologue britannique que l’on considère comme étant le fondateur de l’informatique. Du coup, forcément, on était vachement intéressés. Synopsis.

Imitation Game de Morten Tyldum

Londres 1939, le Royaume Uni est entrain de perdre la guerre qui l’oppose à l’Allemagne nazi. Ces derniers ont une supériorité militaire indéniable, s’échangeant des messages radios à tout que les anglais peuvent écouter sans problème mais restent dans l’incapacité de les comprendre: ils sont chiffrés. Pour essayer de retourner le cours de la guerre, un projet à Bletchley Park est mis en place, celui de casser la machine Enigma qu’utilisent les allemands pour chiffrer ces messages. Si les anglais y parvenaient, ils pourrait alors comprendre tous les échanges allemands, prévoir leurs mouvements, et les contrer. Le jeune universitaire Alan Turing postule pour intégrer ce programme militaire top secret…

Avec un tel sujet, forcément, on était assez dubitatif sur ce qu’un film hollywoodien allait bien pouvoir donner. Car l’histoire que devait suivre ce Biopic est celui d’un cassage de chiffrement, de la crypto, des mathématiques, bref, des choses qui demandent de la matière grise et du temps, et qui n’ont rien à voir avec de l’action. Alors comment allait on bien pouvoir rendre tout cela dynamique ? En général, on y met du romantisme, des problèmes de personnes…

Imitation Game de Morten Tyldum

Pour cela, Morten Tyldum va un peu s’arranger avec l’histoire, d’abord en faisant d’Alan un autiste/asperger qui a tout du Sherlock Holmes de la BBC. Cela tombait bien puisque c’est Benedict Cumberbatch qui joue les deux, et qui fait ce genre de personnage avec un certain talent. Cet aspect de la personnalité de l’Alan du film, qui semble tout de même être un peu forcé par rapport à la réalité, va permettre la mise en place de comique de répétition sur son aspect déficient en relations sociales, forcément. Évidemment, c’est assez drôle et il y aura quelques reparties du personnage très bien placées, qui feront rire aux éclats. On rajoute une certaine animosité avec ses collègues et on a un élément supplémentaire pour rajouter du rythme et mettre quelques moments de doutes.

Pour donner la réplique à Alan on retrouve une autre actrice qui semble être faite pour jouer les personnalités peu à l’aise socialement: Keira Knightley. Après son apparition dans Freud, la voilà de nouveau à jouer ce type de rôle de femme mal dans sa peau. Et si la bande d’annonce faisait penser à une romance hollywoodienne, on en est loin et cela passe très bien.

Imitation Game de Morten Tyldum

En fait, Imitation Game est une très bonne surprise dans la mesure où il a réussi le tour de force de ne pas nous décevoir. Ce n’est peut être pas un film à la hauteur de la réussite du projet Bletchley Park, certes, mais c’est tout de même un bon film, rythmé, avec de bons acteurs et qui met à l’honneur les hommes de l’ombre de la seconde guerre mondiale et les débuts de l’informatique. Certes, il y a quelques lacunes propres aux films du genre, et on regrettera notamment l’aspect superficiel des interventions de l’armée. Mais diantre, c’était quand même bon.

Le film ne se contentera pas de nous raconter l’histoire du cassage d’Enigma, mais va entremêler les histoires pour nous compter aussi l’histoire -et la fin tragique- d’Alan Turing. Et là dessus, il faut avouer que lorsqu’on est pas prêt, qu’on n’en connait pas la réalité, on risque d’être choqué et estomaqué. C’est bien que le sujet n’ait pas été passé sous silence, qu’on y ait quand même vu comment a pu finir sa vie, et comment des gens normaux, des gens qui faisaient partie du camp des vainqueurs, du camp des gentils, pouvaient traiter les homosexuels sans se poser la moindre question.

Benedict Cumberbatch dans Imitation Game

Imitation Game n’est pas le film du siècle, mais il est loin de la catastrophe qu’on aurait pu redouter et vous fera passer un très bon moment au cinéma. Si vous touchez à l’informatique et que vous ne connaissez pas la vie d’Alan Turing, c’est un must en attendant d’aller en lire une biographie. Et pour les autres, c’est l’occasion de découvrir un pan de la seconde guerre mondiale qui est encore trop méconnu car sorti du secret défense il y a moins de 20 ans…


En 2010 débarquait aux éditions Kana le manga Bakuman, dernière création des deux illustres mangakas Tsugumi Ōba et Takeshi Obata, auteurs de Death Note. Serafina ne tarissait pas d’éloges à son propos lors de la chronique du premier tome. C’est quasiment à la même époque qu’au Japon commençait la diffusion de son adaptation en anime par Kenichi Kasai et Noriaki Akitaya du studio J.C. Staff. Ça tombe bien, car c’est un manga qui parle de créateurs de mangas qui veulent être adaptés en anime… Vous avez tout suivi ? Non ? Synopsis.

Bakuman Anime

Alors que Moritaka Mashiro ne sait pas trop quoi faire de sa vie après sa troisième année de collège, le premier de la classe Akito Takagi lui propose un pari fou: devenir mangakas ! Ce dernier ne sait pas dessiner, mais il a vu tout le talent de Mashiro alors qu’il dessinait son amour de toujours, Miho Azuki qu’il aime en secret sans avoir jamais osé lui parler. Et c’est dans un élan totalement asocial que les trois vont se promettre de réaliser leurs rêves –Miho rêvant d’être doubleuse pour animes-.

Bakuman Anime

L’anime est rythmé par l’attente du résultat des comités éditoriaux

Nous allons donc suivre deux gamins qui rêvent de devenir des mangakas, d’être publiés dans un hebdomadaire du genre pour atteindre le Graal: être adapté en anime afin que Miho puisse y doubler l’héroïne. En fait, Bakuman est l’histoire de gamins qui ont des rêves et qui vont se confronter au monde des adultes pour tenter de les atteindre. Bien entendu, rassurez vous, nous ne sommes pas face à un scénario qui va les voir s’écraser lamentablement devant l’establishment et l’âge adulte, mais contrairement à ce qu’on pourrait redouter pour une histoire de manga, celle-ci est relativement réaliste et dure.

Je n’avais pas lu le manga avant de commencer son adaptation en anime, aussi n’en ferais je pas de comparaison. Cette anime est en tout cas très bien construit autour de son histoire, qu’on comprendra aisément et suivra avec intérêt. L’histoire est vraiment très dense, d’une manière générale, contrairement à l’adaptation de pas mal de Shônen, celle-ci ne va pas être étirée en long et en large pour augmenter le nombre d’épisodes. C’est même presque le contraire, on regrettera que certains aspects de l’aventure de Mashiro et Takagi ne soit pas plus fouillée et détaillée lors d’épisodes.

L’histoire est donc riche et va nous permettre de découvrir le monde de l’édition de manga au Japon. Je ne sais pas à quel point cette découverte correspond à la réalité, mais je suppose qu’on peut faire confiance à deux mangakas pour bien parler de leur métier. C’est en tout cas sur ce point complètement passionnant et cela ouvre le spectateur à des pans qu’il n’aurait jamais soupçonné sur ce monde obscur. Pourquoi parfois les mangas évoluent bizarrement, à quel point les lecteurs ont tout pouvoir sur l’histoire des mangas au Japon, etc. Ce sont des éléments complètement passionnants et il faut bien avouer que le manga et l’anime arrivent au tour de force de rendre la création de manga dynamique et super intéressante.

Découpé en trois saisons, Bakuman est donc complètement addictif et nous l’avons terminé en une seule traite. Je l’ai dit déjà, l’histoire est vraiment passionnante et donne envie de connaître la suite pour les quatre personnages principaux, mais pas seulement. Car un Shônen c’est aussi un rival et malgré le thème, le manga respecte bien cette règle avec sans doute l’un des meilleurs rivaux que j’ai pu voir, Eiji Niizuma. Vous vous en doutez, il s’agit là aussi d’un mangaka, et nous allons en suivre un petit paquet, de mangakas. Tous veulent atteindre le succès et voir leur série gagner le gros lot, et c’est sans aucun doute l’une des ficelles que les auteurs ont utilisé pour rendre cette série si addictive.

Bien animée d’une manière générale, la série n’est pas non plus un cador du genre et ce n’est clairement pas de ce côté là que l’on va lui trouver le plus de points forts. Le dessin est assez dynamique cela dit et ce malgré la thématique qui n’est pas très dynamique elle, encore une fois. C’est donc là aussi un bon point. On rajoutera aussi que, vu qu’il s’agit d’un manga sur les mangas, l’anime va aussi nous faire découvrir des animes fictifs… Vous suivez ? Ce sera notamment l’occasion de découvrir d’autres univers où l’on ressent bien que les dessinateurs se sont bien fait plaisir, un régal.

Niizuma Eiji

Bakuman c’est donc trois saisons presque trop courtes qui vont vous faire découvrir l’univers du manga au Japon. Comment sont créées les histoires qui ont bercé votre enfance -tout du moins la notre- et dans quelles conditions ? Un rythme soutenu tout au long des épisodes, des personnages attachants et des adversaires charismatiques, quand on est lecteur de manga il n’y a aucune raison de ne pas se jeter dessus, en anime ou en manga, évidemment.


Cinquante nuances de Grey de Sam Taylor-Wood

Ceci n'est pas un film sur le BDSM

Malicia dans Critiques, Films le 14 février 2015, avec aucun commentaire
Critiques

Cinquante nuances de Grey, réalisé par Sam Taylor-Wood, fait partie des films de 2015 très attendus puisqu’il adapte un des derniers gros hits de la littérature pour adulte. Je l’attendais moi-même au tournant… Une bonne raison (ou pas) de courir le voir dès sa sortie en salles… Bref, ce soir, je vous dévoile tout !

Cinquante nuances de Grey de Sam Taylor-Wood

Cinquante nuances de Grey est l’adaptation éponyme du roman de E.L. James qui n’en finit pas de faire le bonheur des libraires et de leur rayon « porno chic ». Ou plus précisément, le film est l’adaptation du tome 1, il y en aura sûrement deux autres. Dans Cinquante nuances de Grey, Anastasia Steele, étudiante en littérature, rencontre le richissime Christian Grey lors d’une interview dans le cadre de ses études. Très vite, Anastasia craque sur Christian… qui lui révèle avoir des goûts « très particuliers ». Soit un goût prononcé pour le SM, en tant que dominant. C’est le début d’une initiation à l’univers du SM pour Anastasia… mais aussi celui d’une relation conflictuelle entre Christian et Anastasia.

Je vous le dis tout de suite, j’avais cordialement détesté le livre de E.L. James. Entre les « putain » toutes les trois lignes, les « ma déesse intérieure« , les « Oh Christian est un dieu du sexe« , c’était nunuche à souhait. Et ne parlons pas de la représentation du sado-maso donnée… Le livre a certes trouvé son public mais c’est pour moi une imposture.

Cinquante nuances de Grey de Sam Taylor-Wood

Mais comme on ne parle pas du livre ici, parlons du film. Si au début, je regardais ça d’un œil sceptique, j’avoue m’être vite laissée prendre dans l’histoire. Dans les faits, le livre est bien adapté mais dans la forme, le film propose une version édulcorée… et c’est justement ce qui fait que je l’ai aimé. Dans le livre, j’avais l’impression de retrouver un mauvais bouquin érotique qui prétend être une histoire romantique et une représentation du SM, et qui n’est ni l’un ni l’autre. Dans le film, oui, je peux le dire, j’ai vu d’abord une histoire d’amour. Clairement, Anastasia et Christian sont quasi omniprésents à l’écran, les autres personnages ne sont que des figurants avec très peu de profondeur. Et sur tout le film, on voit davantage des échanges, des moments à deux que des scènes de sexe (qui font en tout 20 minutes sur le film à priori).

Cinquante nuances de Grey de Sam Taylor-Wood photo 3Et le SM alors ? Pour moi, dans le film, on ne retrouve pas du BDSM, mais une nuance de BDSM (vous remarquerez l’effort pour ce jeu de mots). Christian Grey est clairement quelqu’un qui a des problèmes, des blessures, des difficultés à gérer son passé et le SM représente pour lui un exutoire. Certaines personnes reproduisent dans le SM des traumatismes, ce n’est pas sain, mais ça existe. On ressent très bien cette contradiction dans la dernière scène SM du film, c’est la seule qui m’a mise mal à l’aise pour cette raison. La violence avait pris le pas sur le plaisir. A l’inverse, tous les pratiquants SM n’ont pas eu une enfance compliquée, un passé tumultueux. Et justement, cela n’est pas présent dans le film comme la représentation d’une pratique, mais comme une partie de Christian Grey. Attention, je ne dis pas que j’approuve tout ce qui est montré. A plusieurs moments, Grey va carrément au delà du cadre et agit de manière inacceptable à cause de ses névroses. Mais justement, c’est pour ça que selon moi, il faut voir ça comme « Le SM selon Christian Grey » et non pas comme « LE SM, toute la vérité« .  De manière générale, le sexe est bien moins présent dans le film que dans le livre et les scènes sont réalisées sans vulgarité et c’est tant mieux.

Et les acteurs ? Alors là, j’ai deux avis contraires. Du côté de Anastasia, nous retrouvons une Dakota Johnson… excellente. Très vraie, drôle là où la Anastasia du roman me faisait vomir, joyeuse, humaine, expressive, touchante. Vraiment, je pensais la détester et je l’ai adorée. Par contre, dans le rôle de Christian Grey, nous retrouvons Jamie Dornan… et là, je n’accroche pas. Je l’avais pourtant aimé dans Once Upon A Time mais ici, ça ne prend pas. Je l’ai trouvé rigide, manquant de charisme, maladroit dans ses postures, ce qui crée un certain décalage entre certaines phrases qu’il dit (censées être super excitantes) et l’effet que ça produit (des rires dans la salle). Bon, quand on pense qu’à la base, E.L. James voulait Robert Pattinson, ceci explique peut-être cela… mais c’est quand même vachement dommage.

Cinquante nuances de Grey de Sam Taylor-Wood

Alors bon, je suis bon public et il y a un paquet de choses que je pourrais pointer (dont les nombreux clichés du genre) mais je l’avoue, j’ai passé un bon moment, d’autant plus que la bande son est aussi canon. Donc si vous allez voir Cinquantes Nuances de Grey, mes deux conseils seraient : oubliez le livre dont il est adapté, n’y allez pas en pensant voir un film sur le SM.